1. История изобретения киноаппарата. Кинетоскоп Эдисона.
Изобретение кинематографа не было единовременным актом. Это был растянутый во времени процесс сложения отдельных фрагментов мозаики. Первая из важнейших составляющих кино - проекция, зародилась еще доисторические времена, когда первобытный мальчик любовался тенью своих рук на стене. Игра света и теней завораживала людей в Древней Греции. Примерно в 360 году до нашей эры Платон описывал в своей книге "Республика", как двигаются тени, отбрасываемые пламенем костра на стены пещеры. Некоторые историки кино считают это описание пещеры Теней первым упоминанием о движущихся образах. Кукольники средневековой Явы, Китая и Индии, устраивая представления на основе местных мифов и легенд, использовали игру света и тени, чтобы проецировать силуэты выделанных из кожи кукол на полупрозрачный экран. Аналогичные кукольные представления приобрели популярность в Европе конца XVIII века, в период бурного расцвета науки, получившего название эпохи Просвещения.
Более усложненный вариант проекции возник с появлением "волшебного фонаря", изобретенного во второй половине ХVII века и пользовавшегося популярностью вплоть до XIX века. "Волшебный фонарь" - прибор, в котором с помощью линзы солнечный свет, отраженный от зеркальной поверхности с нанесенным на нее рисунком, проецировался на экран. Публичную демонстрацию этого изобретения провел в 1662 году Томас Расмуссен Вальгенштейн.
Вскоре увидели свет различные механические изобретения, создававшие иллюзию движения. Однако подлинное кинематографическое движение стало возможно лишь благодаря использованию свойства человеческой психики, известного как "непрерывность движения". Оно состоит в том, что зримый образ сохраняется в мозгу в течение короткого промежутка времени после того, как сам предмет убран из поля зрения. Начиная с 30-х годов XIX века стали появляться забавные игрушки, такие как фенископ, зоотроп и праксиноскоп Эмиля Рейно, показавшие, что если перед глазами человека возникают быстро сменяющиеся отдельные изображения предмета, то создается образ непрерывно движущегося изображения. Картинки, использовавшиеся в этих ранних приборах, были нарисованы. Фотография, появившаяся в 1839 году, требовала большой выдержки, не давая возможности сделать серию фотоснимков с небольшими интервалами. В 70-80-е годы прошлого века этот недостаток решался различными экспериментаторами. Задача упростилась с изобретением прочной и гибкой целлулоидной пленки. С этого момента изобретатели из разных стран мира стали наперегонки предлагать разнообразные устройства для кинокамер и проекционных аппаратов. Но заслуга изобретения первой практической кинокамеры - кинетографа (1882 год), принадлежит Уильяму Кеннеди и Лори Диксону. Их коротенькие фильмы можно было смотреть через узенький глазок этого аппарата. Первым же проекционным аппаратом, прошедшим успешные испытания на публике в 1895 году стал синематограф братьев Люмьер. В феврале 95-ого Огюст и Луи Люмьер патентируют свое изобретение - аппарат для съемки, проекции и печати фильмов. В марте Луи с помощью изобретенного аппарата снимает фильм "Выход рабочих с фабрики Люмьер". А в декабре…
2. Творчество Д.Лукаса или С.Спилберга (на выбор)
Окончил кинофакультет университета Южной Калифорнии. За короткометражный фильм «TНX-1138» получил главный приз Национального фестиваля студенческого кино (1967). Был ассистентом Ф. Ф. Копполы на ленте «Люди дождя» и снял две документальные картины о процессе кинопроизводства. Первый полнометражный фильм Лукаса «TНX 1138» (1971), спродюсированный Копполой за $750 000 и основанный на одноименной студенческой короткометражке, не принес финансового успеха, хотя был благосклонно принят критиками.
«Американские граффити» (American Graffiti, 1973) — одна из первых картин в стиле ретро, где в качестве невозвратного прошлого фигурируют уже не 30—50-е, а начало 60-х годов. Будучи снятым снова при помощи Копполы и всего за $750 000, он стал одним из чемпионов 70-х годов по кассовым сборам. Это почти автобиографическая картина. Лукас признавался, что черты его индивидуальности проступают в характерах сразу трех юных героев, и только с безмятежным и уверенным в себе старостой класса у молодого Лукаса нет ничего общего. Фонограмма фильма насыщена рок-хитами той поры, зазвучавшими в ностальгическом контексте совсем по-новому. Этот прием стал потом почти обязательным в лентах о 50—60-х годах. В картине проявилась принципиальная черта стиля Лукаса: идеализация действительности, отношение к ней как к сказке, в данном случае утраченной
Его следующий (и самый знаменитый) фильм «Звездные войны» (Star Wars, 1977) — своего рода классика кино эпохи голливудского постмодерна, американская мифология комиксов. И вместе с тем сказочный
В дальнейшем Лукас предпочел выступать как продюсер, сценарист, руководитель постановок — «Империя наносит ответный удар» (The Empire Strikes Back, 1980), «Искатели потерянного ковчега» (Raiders Of The Lost Ark, 1981), «Возвращение Джидая» (Return Of The Jedi, 1983), «Индиана Джонс и храм рока» (Indiana Jones And The Temple Of Doom, 1984), «Индиана Джонс и последний крестовый поход» (Indiana Jones And The Last Crusade, 1989). Кроме основной компании «Лукас филм», он организовал фирму «Индастриал лайт энд мэджик», специализирующуюся на визуальных эффектах, а также научно-исследовательский институт «Спрокет системс». Но после грандиозного успеха в прокате 1997 вновь выпущенного фильма «Звездные войны» и двух его продолжений Лукас объявил, что наконец-то реализует давнюю мечту и сам снимет в 1998—2005 годы три пропущенных серии — предысторию всей космической трилогии.
Родился: 14 мая 1944 г.
Место рождения: Modesto, штат Калифорния, США
Окончил кинофакультет университета Южной Калифорнии. За короткометражный фильм «TНX-1138» получил главный приз Национального фестиваля студенческого кино (1967). Был ассистентом Ф. Ф. Копполы на ленте «Люди дождя» и снял две документальные картины о процессе кинопроизводства. Стал одним из инициаторов процесса (наряду со Спилбергом), перевернувшего представления Голливуда о том, что есть современное кино, а их творчество стимулировало вхождение американского коммерческого кинематографа в эпоху постмодернизма. Первый полнометражный фильм Лукаса «TНX 1138» (1971), спродюсированный Копполой за $750 000 и основанный на одноименной студенческой короткометражке, не принес финансю успеха, но был принят критиками. Этот фильм снят с минимумом спецэффектов, но с максимумом авторской фантазии, что дает повод многим критикам, раздраженным многомилионными бюджетами его последующих работ как продюсера, считать «ТНХ 1138» лучшей.
«Американские граффити» (American Graffiti, 1973) — одна из первых картин в стиле ретро, где в качестве невозвратного прошлого фигурируют уже не 30—50-е, а начало 60-х годов. Один американский критик назвал фильм «фреской о временах невинности». Будучи снятым снова при помощи Копполы и всего за $750 000, он стал одним из чемпионов 70-х годов по кассовым сборам. Это почти автобиографическая картина. Фонограмма фильма насыщена рок-хитами той поры, зазвучавшими в ностальгическом контексте совсем по-новому. Этот прием стал потом почти обязательным в лентах о 50—60-х годах. В картине проявилась принципиальная черта стиля Лукаса: идеализация действительности, отношение к ней как к сказке, в данном случае утраченной. Но кино на то и существует, чтобы реконструировать, воскресить сказку. И поэтому обращение к фантастике (правда, принципиально переосмысленной) было совершенно естественным.
Его следующий фильм «Звездные войны» (1977) — своего рода классика кино эпохи голливудского постмодерна, переконструированная и электронно модернизированная американская мифология комиксов. И вместе с тем сказочный мир с его манихейством — делением на черное и белое. Нельзя сбрасывать со счетов и патриотический пафос ленты, хронологически почти совпавшей с неоконсервативной революцией Рейгана, откровенно использовавшего концепции «империи зла» и «звездных войн» в качестве названий космической оборонной системы в своей пропагандистской риторике.
Наряду с другими событиями сезона 1976-1977 — выходом фильма Спилберга «Близкие контакты третьего вида», появлением на прилавках магазинов первых бытовых видеомагнитофонов, а также сборкой в гараже Возняком и Джобсом персонального компьютера «Эппл», картина «Звездные войны» возвещала о вхождении в самостоятельную жизнь поколения «бейби-бумеров», родившихся в конце или сразу после войны.
В дальнейшем Лукас предпочел выступать как продюсер, сценарист, руководитель постановок — «Империя наносит ответный удар» (1980), «Искатели потерянного ковчега» (1981), «Возвращение Джидая» (1983), «Индиана Джонс и храм рока» (1984), «Индиана Джонс и последний крестовый поход» (1989). Кроме основной компании «Лукас филм», он организовал фирму «Индастриал лайт энд мэджик», специализирующуюся на визуальных эффектах, а также научно-исследовательский институт «Спрокет системс». Но после грандиозного успеха в прокате 1997 вновь выпущенного фильма «Звездные войны» и двух его продолжений Лукас объявил, что наконец-то реализует давнюю мечту и сам снимет в 1998—2003 годы три пропущенных серии — предысторию всей космической трилогии.
3. Анализ фильма «Дорога»
2.
1. Зарождение и формирование кинематографии в Европе (1895-1914 гг.)
Первые кинофильмы состояли из одного плана, редко превышавшего одну минуту по продолжительности. Это действительно были "движущиеся фотографии". Вот как пишет об этих первых фильмах критик Хрисанф Херсонский: "Первые киносъемки, сделанные в разных странах, обладали одной специфической чертой, которую условно называют однолинейностью. Фильм снимался непрерывно и состоял из одного куска: поезд приближается к перрону - это фильм, люди выходят из ворот фабрики - другой фильм". Херсонский Хрисанф "Страницы юности кино", изд-во "Искусство", 1965, М.
Первым же, кто показал, что кино может быть использовано не только для запечатления подлинных событий, но и для рассказа различных авантюрных историй, стал француз Жорж Мельес. Мельес - пионер режиссуры, попробовавший свои силы почти во всех жанрах. Благодаря своему остроумию, изобретательности и поразительной фантазии, он создал фильмы, не потерявшие своей привлекательности и сейчас. В первое десятилетие ХХ века Мельес стал самым преуспевающим кинопродюсером, но к началу Первой Мировой войны разорился, не успев приспособиться к новым веяниям в кинематографе. До своего финансового фиаско ему все-таки удалось увеличить содержательность кино: он сделал серии живых картин, следовавших одна за другой, как пьеса на сцене. Сначала каждая такая сцена считалась отдельным фильмом. Но в "Золушке" (куда же без нее!), снятой в 1899 году, Мельес объединил живые картинки с помощью наплыва. Вскоре режиссеры стали использовать более сложные техники соединения отдельных фильмов или "кадров", как их сейчас называют.
2. Творчество Фернанделя или Л. Де Фюнеса (на выбор) ---
3. Анализ фильма «Кабаре»
3.
1. Зарождение и формирование кинематографии в США (1894-1914 гг.)
В "Жизни американского пожарного" (1903) режиссера Эдвина С. Портера документальные кадры борьбы с пожарами соседствуют с игровыми, изображающими как пожарный выносит из огня женщину с ребенком. Драматические и эмоциональные возможности кино получили свое дальнейшее развитие в ленте Портера "Большое ограбление поезда" (1903). Это самая известная картина начала века, в которой искусно сочетались павильонные и натурные съемки. Открытия Портера вдохновляли на новые поиски других режиссеров, среди которых был Дэвид Уорк Гриффит. В своих 400 одночасовых картинах Гриффит раскрыл все возможности немого кино. Главное его открытие состояло в том, что, оказывается, эпизод можно разбить на отдельные короткие фрагменты, не законченные сами по себе, которые по-разному можно составлять в единое целое. Теперь мы называем это монтажом и не находим нечего удивительного в этом. Но тогда Гриффит произвел переворот в кинематографе.
2. Творчество А.Маньяни или С.Лорен (на выбор)
Софи Лорен (род. 9 сентября 1934)
София - по-гречески мудрость. София Шиколоне появилась на свет 9 сентября 1934 года в римском госпитале для неимущих. Ее мать, Ромильду Виллани, неудавшаяся провинциальная актриса, а теперь еще и мать-одиночка. Отец девочки, тоже актер передвижного театра. Мать поехала за ним в Рим, но он так и не женился на ней, она вернулась в родной поселок Пиццуоли. Здесь, в ветхой лачуге на берегу моря, в ужасной тесноте и бедности провела София свои детские годы. Однако к 15-ти годам София из худой девчонки-подростка превратилась в красивую стройную девушку, и Ромильда Виллани, опытным взглядом актрисы, оценив происшедшую метаморфозу, видимо, решила осуществить в дочери свои несбывшиеся мечты. Юная София, подбадриваемая честолюбивой матерью, одела сабо на высокой платформе, и, прикрепив к левой бретельке яркого купальника номерок, встала в строй конкурсанток, которым предстояло дефилировать в реальных, декорациях неаполитанского пляжа, где проходил конкурс на звание "Принцессы моря". В 1949 году этот титул был присвоен синьорине Шиколоне. А через год - снова удача: София получает новый титул "Мисс Изящество" на общенациональном конкурсе красоты в Риме.
Дни напролет среди других страждущих статисток проводила София вместе с матерью в приемных продюсеров. Она трезво оценивала и свои первые ничтожно-маленькие роли, и сами фильмы, в которых ей изредка удавалось сыграть. Наконец, ее утвердили на главную роль в фильме "Африка под морями". Но продюсеру не нравилось имя. Его поменяли на Софи Лорен.
Везением, предрешившим ее артистическую судьбу, стала встреча с Витторио Де Сика. Результатом стали 14 фильмов.Режиссер и сам актер, Витторио Де Сика не только открыл Лорен, но стал ее учителем, ее режиссером, с которым она создала лучшие свои роли. Де Сика понимал, что мало использовать только фактуру красивой девушки. Надо заставить работать ее ум и наблюдательность, надо заставить ее "переварить" тот небольшой жизненный опыт, который она имела, - знание обыденной жизни и характер простых неаполитанцев.
В их первом совместном фильме "Золото Неаполя" Софи Лорен играет роль продавщицы пиццы. Молодую актрису сразу заметили зрители и Софи им понравилась. Ведь она была одной из них, только самой, красивой.
1955 год был назван годом Софи Лорен: она снялась у Ризи, Джанни, Блазетти, Солдати и по популярности превзошла двух главных своих соперниц Сильвану Мангано и Джину Лоллобриджиду. В фильме Блазетти "Жаль, что ты такая каналья..." ее партнерами были сам Витторио Де Сика и мало известный в ту пору Марчелло Мастроянни.
А в 1956 году Софи Лорен отправилась в Америку. Успех был ошеломляющим. Первым не выдержал Стенли Креймер и пригласил ее в свой фильм "Гордость и страсть". Затем с ней был заключен контракт на 4 года, 12 картин и 2 млн. долларов. "Мальчик на дельфине" Жана Негулеско, "Тимбукту" Генри Хеттуэя, "Черная орхидея" Мартина Ритта, "Любовь под вязами" Делберта Манна, "Ключ" Кэрола Рида И партнеры - Энтони Перкинс, Керри Грант. Лорен чувствовала, что ее тема, ее образ, подсказанный, конечно же, Витторио Де Сика, ждет ее на родине, в Италии.
Вернувшись из Америки еще более знаменитой, и уже богатой и независимой, Софи Лорен вышла замуж за продюсера Карло Понти и начала работать с Де Сика, на письменном столе которого лежал антифашистский роман Альберто Моравиа "Чочара". Роли были распределены так: Чезира - Анна Маньяни, ее дочь - Софи Лорен. Однако Маньяни, место которой на экране в тот период заняли "Хорошенькие мордашки" и "сексапильные фигурки", наотрез отказалась играть, сопроводив свой отказ ядовитой фразой, оставшейся в истории кино: "Да разве я могу быть матерью такой оглобли?" Де Сика пытался уговорить ее, но Анна была непреклонна: "Послушай, Витторио, если тебе так нравится эта Лорен, дай ей роль матери", - не выдержав, сказала Маньяни. Слова, прозвучавшие как насмешка, оказались пророческими.
За эту роль Лорен была награждена многими призами, но главными считала два: "Серебряную ленту", полученную на родине за лучшее исполнение женской роли, и "Оскара", который ей присудили в Америке, как лучшей иностранной актрисе года.
Так началась эпоха Лорен - Де Сика - с "Чочары" и с подготовленного Понти контракта, согласно которому Де Сика обязался снимать по одному фильму в год с участием Лорен. Именно этим фильмам суждено стать наиболее значительными в ее фильмографии: "Бокаччо-70", "Затворники Альтоны", "Вчера, сегодня, завтра", "Брак по-итальянски". В этот период Софи Лорен снималась и у других режиссеров, не только в Италии, но в Америке и в Европе, однако "заграничные" роли ее славы не приумножили. Создатели этих посредственных лент старались поправить свое положение и репутацию за счет знаменитой итальянской кинозвезды. Софи знала это. Но из двух зол - сниматься в картинах средней руки или не сниматься вовсе - она выбрала первое.
В 1967 году Понти, желая поднять уровень картин с участием Лорен, финансировал "Графиню из Гонконга" Чарли Чаплина. Актрисе льстило работать под руководством "самого Чарли", да еще в паре с уже знаменитым Марлоном Брандо. Однако комедия получилась старомодной, скучной, и не вызвала интереса у зрителей. Софи Лорен снова вернулась в Италию.
В 1969 году она вместе с Марчелло Мастроянни приступила к работе над новым фильмом Витторио Де Сика "Подсолнухи", который снимался в Советском Союзе. В этом же году журналисты Голливуда присудили Софи Лорен приз "Золотой шар", как самой популярной актрисе мира, согласно опросу, проведенному в 38 странах.
Благодаря Софи Понти превратился в продюсера международною класса, тем более, что в их содружестве с Де Лаурентисом он стоял все же ступенькой ниже, поскольку у Дино была Мангано, а Понти не имел своей актрисы.
В 1957 году Лорен И Понти оформили брак в Мексике, так как Понти уже был женат, а в Италии еще не было закона о разводе. Муж и дети заняли главное место в ее жизни, и, может быть, Софи оставила бы артистическую карьеру, если бы не Понти, решительно возражавший против этого.
Когда популярность Софи Лорен стала убывать, а это было в начале 70-х, Понти задумал и подготовил автобиографическую книгу о ее жизни "Живя и любя", написанную самой Софи Лорен. Выход этой книги сопровождался рекламной кампанией, не знающей себе равных. А в 1980 году она снялась в фильме "История Софи Лорен", сыграв две роли: свою мать Ромильду Виллани и себя, Софию Шиколоне, Софи Лорен, синьору Понти.
В 1991 году Софи Лорен приезжала в Москву на МКФ вместе с младшим сыном и своим фильмом "Суббота, воскресенье, понедельник". Эта картина была поставлена Дино Ризи по одноименной пьесе Эдуардо Де Филиппо и посвящена памяти Витторио Де Сика, "под диктовку" которого Софи написала главную страницу своей судьбы" "Актриса".
Фильмография:
ДВА ВОРЧЛИВЫХ СТАРИКА II: ОДИН СВАРЛИВЕЕ ДРУГОГО (СТАРЫЕ ВОРЧУНЫ РАЗБУШЕВАЛИСЬ) (1995)
ВЫСОКАЯ МОДА (ГОТОВОЕ ПЛАТЬЕ/ГОТОВАЯ ОДЕЖДА) (1994)
КРОВАВАЯ ВРАЖДА ДВУХ МУЖЧИН ИЗ-ЗА ВДОВЫ, ПОДОЗРЕВАЮТСЯ ПОЛИТИЧЕСКИЕ МОТИВЫ (1979)
ОГНЕВАЯ МОЩЬ (1978)
АРАБЕСКА (1966)
ОПЕРАЦИЯ АРБАЛЕТ (1965)
ПАДЕНИЕ РИМСКОЙ ИМПЕРИИ (1964)
БРАК-ПО ИТАЛЬЯНСКИ (1964)
ВЧЕРА, СЕГОДНЯ, ЗАВТРА (1963)
ЗАТВОРНИКИ АЛЬТОНЫ (1962)
МАДАМ БЕЗ ПРЕДРАССУДКОВ (1962)
БОККАЧЧО 70 (1962)
ЧОЧАРА (1961)
ЭЛЬ СИД (1961)
ЧЕРНАЯ ОРХИДЕЯ (1958)
ГОРДОСТЬ И СТРАСТЬ (1957)
ЗОЛОТО НЕАПОЛЯ (1954)
ДВЕ НОЧИ С КЛЕОПАТРОЙ (1954)
ХЛЕБ, ЛЮБОВЬ И ФАНТАЗИЯ
Премии и награды: ОСКАР
Победитель в категориях:
Лучшая актриса
1962 - ЧОЧАРА
Номинирован в категориях:
Лучшая актриса
1965 - БРАК-ПО ИТАЛЬЯНСКИ
КАННСКИЙ КИНОФЕСТИВАЛЬ
Победитель в категориях:
Лучшая актриса
1961 - ЧОЧАРА
ВЕНЕЦИАНСКИЙ КИНОФЕСТИВАЛЬ
Победитель в категориях:
Лучшая актриса
1958 - ЧЕРНАЯ ОРХИДЕЯ
В 1990 году актриса получила почетную премию "Сезар". В 1998 году получила "Золотого Льва" за творческую карьеру на МКФ в Венеции.
3. Анализ фильма «400 ударов»
Драма
Франция 1959; 1,33; цв
Режиссер: Франсуа Трюффо /Francois Truffaut/
В ролях: Жан-Пьер Лео /Jean-Pierre Leaud/, Жак Моно /Jacques Monod/, Клэр Морье /Claire Maurier/, Альбер Реми /Albert Remy/, Ги Декомби /Guy Decombie/, Патрик Оффэй /Patrick Auffay/, Жорж Фламент /Georges Flament/, Ивонн Клоди /Yvonne Claudie/, Робер Бювэ /Robert Beauvais/, Клод Мансард /Claude Mansard/
Эта необыкновенная лента была первым художественным фильмом Франсуа Трюффо, который до этого был больше известен как чертовски опасный и колючий кинокритик из журнала "Cahiers du Cinema". "Четыреста ударов" не только один из самых главных фильмов французской "новой волны", но и первый в серии Трюффо, включающей в себя "Антуан и Колетт" (новелла из фильма "Любовь в 20 лет"), "Украденные поцелуи", "Семейный очаг" и "Сбежавшая любовь". В этих фильмах в роли Антуана Дуанеля снялся замечательный актер Жан-Пьер Лео (этот фильм - его дебют), ставший для Трюффо как бы "вторым я".
Двенадцатилетний Дуанель - трудный подросток. Его мать (Морье) занята личной жизнью, и у нее нет ни времени, ни желания вникнуть в проблемы сына. Отчим (Реми) - человек слабохарактерный, не имеет влияния ни на жену, ни на сына. Учитель лишь наказывает мальчика. Антуан и его приятель все реже посещают школу, сбегают из дома. Будучи пойманным, Антуан планирует новый побег…
Фильм о событиях, происходящих в жизни мальчика, о несправедливости, боли, выпавших на его долю. Трюффо относится к Антуану с теплом и состраданием; как к ребенку, вынужденному жить в предлагаемых обстоятельствах. Изящество и совершенство картины позволили ей стать мерилом в числе фильмов, посвященных проблемам юности. Следует отметить очень поэтичную черно-белую операторскую работу Анри Деке.
Приз за режиссуру Франсуа Трюффо на МКФ в Канне в 1959 году. Номинация на премию "Оскар" (1960г.) за лучший оригинальный сюжет и сценарий (Франсуа Трюффо, Марсель Мусси).
Оператор Анри Деке /Henri Decae/
Сценарист Франсуа Трюффо /Francois Truffaut/, Марсель Мусси /Marcel Moussy/
Продюсер Франсуа Трюффо /Francois Truffaut/
Монтажер Мари-Жозеф Йойотт /Marie-Josephe Yoyotte/
Композитор Жан Константин /Jean Constantin/
Художник Бернар Эвэйн /Bernard Evein/
Сюжет Франсуа Трюффо /Francois Truffaut/
4.
1. Первый публичный киносеанс. Братья Люмьер.
Париж. 28 декабря 1895 года - дата, занесенная во все календари, известная всем мало-мальски интересующимся историей кино… Холодный декабрьский вечер. Белые пушистые хлопья снега медленно падают на вымощенные мостовые, на пальто и шляпы прохожих, потирающих замерзшие руки. Обычно в такое позднее и холодное время у маленького заведения с гордым названием “Гранд кафе” не много людей. Но сегодня особый день - братья Люмьер, Огюст и Луи, решили объявить во всеуслышание о своем изобретении века - КИНЕМАТОГРАФЕ. Именно тогда прошел первый публичный показ минутных кинофильмов, которые в конце ХХ века станут историей le cinema.
Любопытен парадокс первых киносеансов. “Обстановка балагана или кафе. У всех на виду натянута белая материя. Шумный, громоздкий, находящийся здесь же, в зале, прадед современных проекционных киноаппаратов. Как только гас свет, освещался примитивный экран, движение воспринималось как сама действительность” Александров В.А. “Эпоха и кино”, изд-во "Искусство", 1960, М.. Книги по истории кинематографа обошло описание женщины, которая в ужасе выбежала из проекционного зала, так как ей показалось, что экранный поезд - это настоящий поезд, что он приближается именно к ней и через мгновение ее раздавит. Все воспринималось как реальность, как совершенно объективное, безавторское, безличное.
2. Значение английской документальной школы 30-х годов (Грирсон, Флаэрти).
3. Анализ фильма «Рокко и его братья»
5.
1. Ж.Мельес - родоначальник игрового кино. 15
В 1896 году в кинематограф пришел Жорж Мельес (Melies), директор и режиссер парижского театра "Робер Уден", в котором показывались фантастические спектакли.
Мельес купил камеру и занялся постановкой игровых фильмов - с занимательными сюжетами и участием актеров.
Как он позже рассказывал, началось все с того, что однажды Мельес снимал уличное движение и, чтобы что-то исправить в апппарате, на несколько секунд остановил камеру.
Когда же он проявил кадры, то обнаружил, что вместо омнибуса в кадре мгновенно появился похоронный кортеж.
Произошло это все из-за того, что после остановки камеры омнибус уехал, и вместо него перед камерой (когда Мельес снова ее включил) оказались похоронные дроги.
Эта находка натолкнула Мельеса на эксперименты с камерой
В результате он открыл еще множество всяких трюков - наплывы, затемнения, ускоренную и замедленную съемку.
В кино Мельес как бы воспроизводил представления своего театра - так называемые феерии, или, говоря современным языком, фантастику.
Среди наиболее известных его фильмов такие - "Путешествие на Луну", "Путешествия Гулливера", "Приключения барона Мюнхаузена", "На завоевание полюса".
Особенной популярностью фильмы Жоржа Мельеса пользовались в 1902-1906 годах.
Однако, он не смог выдержать конкуренции и к 1914 году прекратил свою кинематографическую деятельность.
2. Группа «Новое американское кино» (конец 50-х - 60-е гг.). Борьба с голливудскими стандартами.
3. Анализ фильма «Записки сельского священника»
6.
1. Рождение французской киноиндустрии. «Патэ» и «Гомон».
2. Знаменитые творческие содружества режиссеров и сценаристов.
3. Анализ фильма «Земляничная поляна»
Драма
Швеция 1957; 1,30; цв
Режиссер: Ингмар Бергман /Ingmar Bergman/
В ролях: Ингрид Тулин /Ingrid Thulin/, Виктор Сьостром, Били Андерссон, Гуннар Бьорнстранд, Джуллан Киндал, Фольке Сундквист, Бьорн Бьелвенстам, Найма Вифстранд, Гуннел Бростром, Гертруд Фридх, Сиф Рууд
78-летний профессор из Стокгольма вспоминает и пересматривает разочарования своей долгой жизни. Вместе с женой сына он едет на машине на вручение почетной докторской степени, посещая по пути места, где был молод, встречая разных людей и старых знакомых, вспоминая сны и былое. Бергман демонстрирует высочайшее искусство использования ретроспеции, что в сочетании с блестящим актерским мастерством Сьострома дало жизнь этому бессмертному шедевру кино. Картина высочайшей эмоциональной силы дает зрителю возможность задуматься о том, как, возможно, он будет оглядываться на свою жизнь тогда, когда уже ничего не исправить и не пережить снова. Снята в черно-белом изображении. Посмотреть этот фильм должен любой человек, серьезно увлекающийся кинематографом. Золотой приз на МКФ в Западном Берлине.
Центральная тема всего творчества И. Бергмана — человек перед лицом смерти. И именно этой теме посвящен один из лучших его фильмов «Земляничная поляна». Сюжет фильма как будто прост — престарелый профессор Исак Борг отправляется в город Лунд, где намечены торжества по поводу его предстоящего юбилея. Эпизоды прошлого всплывают из глубины его сознания вперемешку со снами и фантазиями, чередуясь со сценами из реальной жизни. Путь, который проделывает профессор, — это и реальная дорога в горы, и весь жизненный путь от юности до старости. В «Земляничной поляне» Бергманом коренным образом была обновлена структура фильма, характерная для интеллектуального кино 50-60-х годов — нарушение хронологической последовательности, смешение прошлого и настоящего, действительного и воображаемого. На роль профессора Борга Бергман пригласил В. Шестрема, классика немого шведского кино. Сыграв свою лучшую роль, актер передал драматические борения героя, наделив его незаурядным масштабом собственной личности, духовностью и внутренним обаянием.
Замечательна операторская работа в фильме, одушевляющая скупую шведскую природу, которая как бы принимает героя фильма под свою сень, смягчая остроту внутренних конфликтов и даря ни с чем не сравнимые мгновения счастья и покоя.
Оператор Гуннар Фишер /Gunnar Fischer/
Композитор Эрик Нордгрен /Erik Nordgren/
7.
1. Итальянское кино (1914-1918 гг.). Рождение полнометражного фильма. 81
2. Творчество И.Бергмана и новое шведское кино (50-60-е гг.)
Ингмар Бергман. (шведский режиссер, сценарист)
Дата рождения: 14 июля 1918. Место рождения: Uppsala, Uppland, Швеция
Выдающийся деятель скандинавского театра 20 века, наряду с М. Антониони, Л. Бунюэлем, А. Куросавой, Ф. Феллини, международно признанный лидер «авторского» направления в мировом киноискусстве. Родился в Упсале в семье пастора. Окончив в 1944 факультет литературы и искусства Стокгольмского университета, работает режиссером в городских театрах Хельсингборга (1944), Гетеборга (1946-1949) и Мальме (1952-1958). С начала 60-х годов ставит спектакли на сцене стокгольмского Королевского театра «Драматен», в 1963-1966 является его директором. В кино дебютирует в качестве сценариста в 1944 («Травля», режиссер А. Шеберг).
Творческое наследие Бергмана огромно. На сценах Швеции и других стран им поставлено более 70 спектаклей по произведениям классической и современной драматургии, осуществлен ряд постановок на радио и телевидении. В кино с 1946 по 1986 режиссер снял 46 фильмов (в основном по собственным сценариям), ряд фильмов по его сценариям осуществлен другими режиссерами. Лауреат престижных международных кинопремий, включая премию Европейской киноакадемии «Феликс» (1988) и «Ветвь ветвей» 50-го юбилейного МКФ в Канне (1997).
Раннее кинотворчество Бергмана проходит под знаком типичной для представителей шведского литературного авангарда 40-х годов (так называемых «фюртиоталистов») бескомпромиссной критики социальной несправедливости, ханжества и лицемерия буржуазной морали и процветавшего на его родине культурно-политического изоляционизма. Герои его картин — люди трудной судьбы — «Кризис» (1946); «Корабль в Индию» (1947); «Музыка во тьме» (1947), юные изгои из регламентированного социума в фильме «Дождь над нашей любовью» (1946); «Портовый город» (1948), испытывающие крушение эмоционального мира влюбленные в фильмах «К радости» (1949); «Летняя игра», 1950; «Лето с Моникой» (1952), неблагополучные супружеские пары в фильмах «Жажда» (1949); «Женщины ждут» (1952). Однако уже в первых лентах режиссера стремление к углубленному психологическому анализу сочетается с постановкой философских вопросов о природе бытия и месте человека в нем («Тюрьма», 1949).
С новой остротой Бергман выдвигает эти вопросы, рассматривая их на пространстве истории и мифа, в снискавших ему общенациональную и международную славу новаторских лентах 50-х: пронизанном горьким социально-критическим пафосом, приводящем на память Ф. Достоевского, «Вечере шутов» (1953), восходящей к истокам средневекового народного театра «Седьмой печати» (1956, премия МКФ в Канне) и погружающем в легендарное прошлое «Источнике» (1959), балансирующем на грани реального и фантастического «Лицей» (1958, премия МКФ в Венеции, 1959). Вершиной бергмановского этико-художнического максимализма становится в этот период отмеченная виртуозностью образно-выразительного решения мучительная драма переоценки жизненных ценностей, происходящая на исходе человеческого пути «Земляничная поляна» (1957).
Поиск истоков одиночества, некоммуникабельности, генезис отчуждения — в центре внимания Бергмана в этапных фильмах 60-х годов, сложившихся в тематическую трилогию о «молчании Бога»: «Как в зеркале» (1960) (премия «Оскар»), «Причастие» (1962), «Молчание» (1963). Напоминая по форме «камерные пьесы» А. Стриндберга (небольшое число действующих лиц, узкие рамки времени и пространства), они, как и снятая двумя годами позже сложнейшая по замыслу и исполнению философская драма «Персона» (1965), весомо свидетельствовали, что с Бергманом в мировое кино приходит принципиально новое, экзистенциальное, связанное с тончайшими нюансами внутренней жизни людей измерение. Анализ граней «несчастного сознания» (в терминологии одного из духовных учителей режиссера С. Кьеркегора), принимаемый в фильме о теряющем рассудок художнике («Час волка», 1965), ленте-антиутопии о неостановимой деградации одинокой личности под натиском антигуманной среды «Стыд» (1967), картинах о безболезненном сломе устоев буржуазного брака и семьи, таких как «Страсть» (1968); «Прикосновение» (1970); «Шепоты и крики» (1971), практически не знает себе равных в опыте современного киноискусства.
70-е годы отмечены в творчестве Бергмана усилением социально-критических и политико-разоблачительных мотивов. Живой общественный резонанс вызвала постановка в кино и на телевидении «Сцен из супружеской жизни» (1972) и их своеобразного продолжения — фильма «Лицом к лицу» (1975). Ощущение непрочности, зыбкости современного миропорядка емко выразилось в галлюцинативной, с черточками научно-фантастического «прогноза», картине о психосоциальных истоках фашизма в Германии «Змеиное яйцо» (1976). На грани 80-х годов в манере режиссера берут верх тенденции к утверждению позитивных мировоззренческих ценностей. Важнейшее средоточие этих ценностей (и первооснова существования), по Бергману, — семья. Именно в рамках семьи развертывается напряженный внутренний конфликт позднейшего из психологических шедевров Бергмана — «Осенней сонаты» (1977) и масштабной эпической саги «Фанни и Александр» (1982), явившейся самой дорогой постановкой за всю историю шведского кинопроизводства.
Фильмография: Продюсер.
ЛИЦОМ К ЛИЦУ (1976); ПЕРСОНА (1966); ДЕВИЧИЙ ИСТОЧНИК (1959);
Режиссёр.
ПОСЛЕ РЕПЕТИЦИИ (1984); ФАННИ И АЛЕКСАНДР (1982); ИЗ ЖИЗНИ МАРИОНЕТОК (1980); ОСЕННЯЯ СОНАТА (1978); ЗМЕИНОЕ ЯЙЦО (1977); ЛИЦОМ К ЛИЦУ (1976); ЛИЦОМ К ЛИЦУ (1975); ВОЛШЕБНАЯ ФЛЕЙТА (1974); СЦЕНЫ ИЗ СУПРУЖЕСКОЙ ЖИЗНИ (1973); ШЕПОТЫ И КРИК (1972); ПРИКОСНОВЕНИЕ (1970); СТЫД (1968); СТРАСТЬ (1968); РИТУАЛ (1967); ПЕРСОНА (1966); ЧАС ВОЛКА (1966); МОЛЧАНИЕ (1963);
ПРИЧАСТИЕ (1962); ИСТОЧНИК (ДЕВИЧИЙ ИСТОЧНИК) (1960); ОКО ДЬЯВОЛА (1960); СКВОЗЬ ТУСКЛОЕ СТЕКЛО (1960);
ДЕВИЧИЙ ИСТОЧНИК (1959); ЛИЦО (1958); У ИСТОКОВ ЖИЗНИ (1958); ЗЕМЛЯНИЧНАЯ ПОЛЯНА (1957); СЕДЬМАЯ ПЕЧАТЬ (1957);
УЛЫБКИ ЛЕТНЕЙ НОЧИ (1955); ВЕЧЕР ШУТОВ (1953); ЛЕТО С МОНИКОЙ (1952); К РАДОСТИ (1950); ЛЕТНЯЯ ИНТЕРЛЮДИЯ (1950);
ПОРТОВЫЙ ГОРОД (1948); КРИЗИС (1945)
Сценарист.
БЛАГИЕ НАМЕРЕНИЯ (1991); ПОСЛЕ РЕПЕТИЦИИ (1984); ФАННИ И АЛЕКСАНДР (1982); ОСЕННЯЯ СОНАТА (1978); ЛИЦОМ К ЛИЦУ (1976); ПЕРСОНА (1966); ЖЕНЩИНА БЕЗ ЛИЦА (1947)
Сюжет.
КОРАБЛЬ ИДЕТ В ИНДИЮ (1947)
Премии и награды: ОСКАР
Победитель в категориях:
Лучший фильм на иностранном языке
1984 - ФАННИ И АЛЕКСАНДР
1961 - ДЕВИЧИЙ ИСТОЧНИК
Номинирован в категориях: Лучший фильм
1974 - ШЕПОТЫ И КРИК
Лучший режиссер
1984 - ФАННИ И АЛЕКСАНДР
1974 - ШЕПОТЫ И КРИК
Лучший сценарист (оригинальный сценарий)
1984 - ФАННИ И АЛЕКСАНДР
1979 - ОСЕННЯЯ СОНАТА
1974 - ШЕПОТЫ И КРИК
1960 - ЗЕМЛЯНИЧНАЯ ПОЛЯНА
КАННСКИЙ КИНОФЕСТИВАЛЬ
Победитель в категориях: Лучший режиссёр
1958 - У ИСТОКОВ ЖИЗНИ
Специальная премия жюри
1957 - СЕДЬМАЯ ПЕЧАТЬ
Лучший сюжет
1947 - КОРАБЛЬ ИДЕТ В ИНДИЮ
Жюри выразило особое уважение
1960 - ДЕВИЧИЙ ИСТОЧНИК
БЕРЛИНСКИЙ КИНОФЕСТИВАЛЬ
Победитель в категориях: Золотой медведь
1958 - ЗЕМЛЯНИЧНАЯ ПОЛЯНА
СЕЗАР
Победитель в категориях: Лучший иностранный фильм
1984 - ФАННИ И АЛЕКСАНДР
ВЕНЕЦИАНСКИЙ КИНОФЕСТИВАЛЬ
Победитель в категориях: Специальная премия
1959 - ЛИЦО
В 1988 году получил премию "Феликс" за творчество.
3. Анализ фильма «Кабинет доктора Калигари» 210
Ужасы/Мистика
Германия 1919; 1,09; цв
Режиссер: Роберт Вине /Robert Wiene/
В ролях: Конрад Вейдт /Conrad Veidt/, Вернер Краусс /Werner Krauss/, Лил Даговер /Lil Dagover/, Фридрих Фехер /Friedrich Feher/
Мистическая история, рассказанная в манере Эдгара По, сразу захватывает зрителя быстрым развитием событий. Но история эта мрачная. Это история молодого человека, которого сначала мы видим рассказывающим посетителю конкретные причины того, почему некая дама, а он на нее указывает, находится в трансе. Ну а потом идет уже и основная порция рассказа. Мы узнаем, как некий жулик приезжает на ярмарку в небольшом городке и приступил кк оживлению предметов, заставляя Чезаре, находящегося в сомнамбулическом состоянии уже 23 года, предсказывать будущее. Жулик этот называет себя доктор Калигари. Предсказывается убийство, и целая серия их имеет место. Доктор калигари помещается в местный сумасшедший дом, где обнаруживается, что он уже доктор Соннов, глава этого заведения. В эт