Время, в котором Микеланджело жил и творил, было одной из вершиной духовной в эволюции человечества. Пожалуй, ни одиа другая страпа на протяжении отдельно взятой историчьской эпохи не дала миру такого числа выдающихся мастеров, как ренессансная Италия. В течение трех столетий и многих поколений зодчих, ваятелей п живописцев складывался колоссальный художественный потенциал Возрождения - времени, до предела насыщенного духом интенсивного творческого созидания.
В оценке отдельных этапов, на которые подразделяется история ренессансной художественной культуры, было бы неправомерным утверждать безоговорочный перевес какого-либо одного из них над другим. Столь же несправедливым выглядело бы суждение, будто каждое нoвое поколение мастеров той эпохи обязательно должно было превосходить своих предшественников. Идет ли речь о периоде аннего Ренессанса, связанном с именем Джотто, или же об искусстве аннего Возрождепия, которое в первой половине Х века представляли Брунеллески, Донателло, в середине и во второй половине столетия - Альберти, Пьеро целла Франческа, Мантенья, Боттичелли и Джованни Беллини, или же, наконец, о позднем Возрождении - о времени Палладио, Веронезе и Тинторетто, мы должны будем отметить, что на всех последовательных ступенях эволюции ренессансного искусства были созданы художесгвенные ценности громадного значения.
И однако же на фоне всего этого ослепительпого творческого изобилия резко выделяется художественный вклад, внесенный в искусство Возрождения поколением мастеров, вместе с которым выступил Микеланджело и к которому, помимо него, принадлежали Браманте, Леонардо, Рафаэль, Джорджоне и Тициан. Этим художникам выпала особая судьба. Ибо, помимо неповторимых качеств каждого из ренессансных этапов в отдельности, очень много значит общая динамика поступательного развития всей эпохи в целом. В этой динамике есть свой смысл и свой исторический пафос. Линия этого развития - отнюдь не ровная горизонталь; в своем движении во времени она наряду с разного рода отделыными колебаниями фиксирует более существенные закономерности роста и нисхождения. Хронологический период протяженностью в несколько десятилетий - примерно между 1490 и 1530 годами - получил вследствие этого наименование
Высокого Возрождения.
Но художественная деятельность Микеланджело не ограничивается пределами Высокого Ренессанса. В рамках этого периода прошла лишь первая половина его творческого пути. В отличие от подавляющего большинства других мастеров данного этапа, деятельность которых исчерпывалась именно этим промежутком времени, Микеланджело, прожив очень долгую жизнь, сохранил всю полноту творческой активности и в следующей, финальной фазе эпохи - в период Позднего Возрождения. Творчество Микеланджело, следовательно, обнимает собой два крупнейших этапа, каждый из которых отмечен своим собственным кругом идей и образов, своими особыми средствами художественного языка.
Эта констатация будет, однако, недостаточной, если не отметить еще одного важного момента, а именно, что на всем протяжении обоих этапов реиессансного искусства Микеланджело находился в авангарде художественного процесса, определяя своим творчеством магистральную линию эпохи. В чем же причина этого обстоятельства, столь заметно выделившего Микеланджело среди других великих мастеров ХУ1 столетия? Здесь сыграли свою роль два взаимосвязанных фактора: прежде всего - специфические особенности его художественного мировосприятия и творческого метода, а затем - всесторонняя одаренность, позволившая Микеланджело с такой необычайной энергией проявить себя во всех видах пластических искусств.
Вначале о первом из этих факторов. Как известно, искусство Возрождения знаменовало собой открытие реального человека и окружающего его реального мира. Для итальянского Возрождения в этой формуле всегда был характерен перевес человеческого образа кад его окружением - своего рода антропоцентризм творческого мировосприятия. У Микеланджело эта тенденция достигает особой, можно сказать, предельной формы заострения: для него вообще не существует мира вне человека - человеческий образ объемлет и исчерпывает собою все. Что касается показа реальной среды пребывания человека, то она мастера не интересует или почти не интересует. В человеке и только в нем, в его облике, внутреннем мире, в его чувствах и поступках он обнаруживает неисчерпаемые возможности для раскрытия всего сущего.
Ренессансный идеал человека - сильного, уверенного в себе, в котором телесная красота соединялась с энергией страстей и мощью разума,-- был воплощен в различных своих сторонах многими предшественниками и современниками Микеланджело. Но сам Микеланджело в большей степени, чем другие мастера, выделил в ренессансном человеческом характере его сердцевину: героическое начало,
понимаемое в первую очередь как способность человека к активному действию,
к преодолению всех преград, стоящих на его пути. Человек в созданиях Микеланджело запечатлен в решающие минуты жизни, в моменты, когда определяется его судьба и когда личная доблесть возвышает его деяние на уровень подвига.
Поэтому персонажи Микеланджело предстают перед нами в высшем напряже-
нии сил - в моменты утверждения своей победы, либо же в своей героической гибели. Поэтому же они так впечатляюще трагичны, когда неразрешимый конфликт поселяется в них самих, в их душевном мире, проявляясь в сознании несовместимости должного и возможного, идеала и реальности, когда терпит крушение их прежняя уверенность в себе и нарастает чувство бессилия перед неискоренимым злом жизни. Именно такой подход в претворении ренессансного человеческого идеала был причиной того, что в отличие, например, от Леонардо и Рафаэля, искусство которых оставалось замкнутым в сфере гармонических представлений Высокого Возрождения, Микеланджело так органично вошел в круг жизненных и художественных проблем Позднего Ренессанса, заняв и в это трагическое время центральное положение в искусстве Средней Италии.
Присущие образному восприятию микеланджело черты героической приподня-
тости в сочетании с активной действенностью его персонажей нашли свой адекватный отклик в формах его творческого мышления, в особенностях художественного языка и прежде всего в утверждении повышенной пластической энергии как неотъемлемого признака его созданий. Качество это нельзя расценивать только как особенность Микеланджело-скульптора (хотя именно в его скульптуре оно выявляется с наибольшей очевидностью) - оно имело для Микеланджело более общий смысл как решающий принцип образного воплощения во всех остальных видах искусства. Именно здесь таятся благоприятствующие моменты для развития другой главной особенности дарования Микеланджело - его универсальности. Статуя и фреска, рисунок и архитектурное сооружение - в любом из микеланджеловских созданий мы обнаружим черты, глубоко их объединяющие,- величие замысла, героическую напряженность чувства, творящую пластику художественного языка.
Как мы знаем, сама по себе разносторонняя одаренность - не исключение,
а скорее типичная сторона ренессансных мастеров, многие из которых успешно испытывали свои силы в разных областях художественной деятельности. Однако лишь один Микеланджело сумел внести поистине эпохальный вклад во все разделы пластических искусств. Будь то скульптура, живопись, графика, архитектура -- трудно сказать, в какой из этих областей его вклад оказался наиболее весомым. Во всяком случае, без колебаний можно утверждать, что в каждом из названных разделов произведения Микеланджело могут быть по праву расценены как свершения решающего порядка.
В этом смысле исключительно продуктивная деятельность Микеланджело в раз-
ных художественных видах - вовсе не результат стечения внешних обстоятельств,
а неотъемлемое следствие его метода. Ибо драматическое напряжение образа в со-
четании с пластическим началом, выраженным в предельно активной форме, несло
в себе такую способность к плодотворной трансформации, что, перестав быть до-
стоянием одной лишь скульптуры, оказалось исходным пунктом и в живописных,
и в архитектурных произведениях мастера, и явилось для Микеланджело главным формообразующим моментом во всей системе пространственных искусств. Этим же объясняется та необыкновенно органичная, изначальная внутренняя взаимосвязь, которая в микеланджеловских художественных ансамблях - в Сикстинской капелле, в Капелле Медичи - спаивает элементы архитектуры и живописи (либо архитектуры и скульлтуры) в такую форму синтетической целостности, которая не была достигнута ни одним другим ренессансным мастером. Так поразительное единство исходных факторов творческого метода Микеланджело оборачивается редким многообразием конечных художественных результатов.
Разумеется, достижения такого размаха и такой содержательной силы должны были найти себе соответствие в самой личности художника. По известным словам Энгельса, Италия "с того великого времени, когда там взошла заря современного мира... взрастила величественные характеры недосягаемо-классического совершенства, от Данте до Гарибальди". Микеланджело вправе быть поставленным в этот великий ряд. Речь в данном случае идет не о буквальном понимании словклассическое совершенство. Микеланджело был не свободен от человеческих слабостей и душевных противоречий, но сила его личности и поистине титанический масштаб его деяний оказались залогом непреоборимого величия его духа в самых тяжких испытаниях времени. Более чем у любого другого итальянского мастера ХУ1 столетия биография Микеланджело - это духовный путь человека, который был участником или свидетелем главных событий эпохи, нашедших глубокий отклик в его сознании и в его искусстве.
Микеланджело вступил на дорогу художника очень рано - в возрасте тринад-
цати лет. После годичного пребывания в мастерской выдающегося флорентийского живописца Доменико Гирландайо он перешел в созданную по инициативе Лоренцо Медичи школу мастера Бертольдо в Садах Медичи при флорентийском монастыре Сан Марко. Здесь открылось главное призвание Микеланджело - скульптура. Уже самые ранние работы в этом виде искусства обнаруживают истинный масштаб его дарования. В созданных шестнадцатилетним юношей небольших рельефных композициях "Мадонна у лестницы" и "Битва кентавров" по существу нет ничего ученического. Мало сказать, что они демонстрируют смелое и уверенное мастерство- они явно опережают свое время.
Первая из названных работ , исполненная еще в традиционной для ита-
льянских скульпторов ХУ века технике плоского, тонко нюансированного рельефа, дает, однако, пример совершению не традиционного образа: микеланджеловская мадонна и млядене,~ Христос наделены непривычной для искусства кватриченто мощью п внутренним драматизмом.
Еще поразительнее "Битва кентавров". Этот рельеф производит впе-
чатление поистине взрывчатой силы. В клубке тел, сплетенных в смертельной схватке, мы находим первое у Микеланджели, но уже удивительно широкое по концепции воплощение главной темы его творчества - темы борьбы, понятой в качестве одного из извечных проявлений бытия. Недаром перед драматической энергией общего пластического целого отступает на второй план точное следование литературному первоисточнику. Исследователи до сих пор спорят о том, какой именно апизод антпчной мифологии воспроизведен юным мастером, и сама эта сюжетная неясность подтверждает, что целью, которую он ставил перед собой, было не точное следование определенному повествованию, а создание образа более широкого плана. Подобно тому, как многие фигуры в рельефе - их драматический смысл и скульптурная трактовка - словно во внезапном откровении предвещают мотивы будущих произведений Микеланджело, так и пластический язык рельефа своей свободой и энергией, порождающей ассоциацию с бурно переливающейся лавой, обнаруживает сходство с микеланджеловской скульптурной манерой гораздо более поздних лет.
Но, опередив свое время в "Битве кентавров", Микеланджело вырвался слиш-
ком далеко вперед. 3а этим смелым прорывом в будущее неминуемо должны были прийти годы более медленного и последовательного творческого становления, углубленного интереса к великому наследию аптичного и ренессансного искусства, накопления опыта в русле различных, подчас очень противоречивых традиций. Микеланджело пробует свои силы в разных творческих задачах, например в дополнениях к уже существующему скульптурному ансамблю Бенедетто да Майяно - надгробию св. Доминика в церкви Сан Доменико в Болонье, для которого он создал небольшие фигуры св. Прокла и ангела с подсвечником.
Совершенно необычным для наших представлений о Микеланджело оказалось известное по источникам, но лишь недавно опознанное деревянное полихромное распятие для ризницы во флорентийской церкви Сан Спирито вилл.
Здесь молодой мастер следовал распространенному в Италии ХУ века типу распятия, восходящему ко временам готики и потому выпадающему из круга наиболее передовых исканий скульптуры конца кватроченто. Наряду с занятиями скульптурой Микеланджело не прекратил изучения живописи, преимущественно монументальной, свидетельством чего служат его рисунки с фресок Джотто. Попутно в графике Микеланджело возникают самостоятельные мотивы .
Важной ступенью в творческом формировании Микеланджело явилось его пребывание в Риме с 1496 по 1501 год. Выход за пределы флорентийской художественной среды и более тесный контакт с античной традицией содействовали расширению кругозора молодого мастера, укрупнению масштаба его художественного мышления. Правда, самая ранняя его римская работа - статуя Вакха
- пример еще не слишком глубокого претворения античных импуль-
сов. 3ато главное произведение этих лет - "Пьета" ("Оплакивание Христа") в римском соборе св. Петра должна быть оценена как первая капитальная работа подлинного Микеланджело.
Мотив этой скульптурной группы имел за собой давние традиции еще в готическом искусстве. Готика знала два типа подобного оплакивания: либо с участием юной Марии, идеально прекрасного лика которой не способно омрачить постигшее ее горе, либо с пожилой богоматерью, охваченной страшным, душераздирающим отчаянием. Микеланджело в своей группе решительно отходит от привычных установок. Он изобразил Марию молодой, но при этом она бесконечно далека от условной красоты и эмоциональной неподвижности готических мадонн этого типа. Ее чувство - живое человеческое переживание, воплощенное с такой глубиной и богатством оттенков, что здесь впервые можно говорить о внесении в образ психологического начала. 3а внешней сдержанностью молодой матери угадывается вся глубина ее горя; скорбный силуэт склоненной головы, жест руки, звучащий как трагическое вопрошение,- все складывается в образ просветленной скорби. Даже трудный композиционный мотив группы - сидящая богоматерь держит тело своего сына на коленях - кажется здесь логичным и естественным. По-видимому, по окончании римской "Пьета" Микеланджело создал так называемую "Мадонну Брюгге" - небольшую (высотой 1,27 м) скульп-
турную группу мадонны с младенцем, которая впоследствии попала в церковь Нотр-Дам нидерландского города Брюгге. В этом скромном произведении, открывающем собой в творчестве Микеланджело линию образов, отмеченных чертами своеобразного лиризма, особенно привлекательна сама мадонна, в которой классическая красота и внутренняя сила личности сочетаются с мягкой поэтичностью. Тогда же Микеланджело начал работу над статуями святых для алтаря Пикколомини в Сиенском соборе. Фон для статуй образует многочастная архитектурная композиция из филенок и ниш в несколько ярусов вокруг главной арочной ниши алтаря (архитектор Андреа Бреньо). Будучи ограничен в своих возможностях чуждой ему стилистикой общего замысла алтаря, еще очень тесно связанного с духом кватроченто, Микеланджело создал четыре статуи, однообразные по типам, далекие от характерной для него самого пластической манеры. В какой-то мере исключением среди них может считаться более живая и энергичная по мотиву движения фигура апостола Павла.
В 1501 году Микеланджело возвращается во Флоренцию и получает от флорентийской синьории (республиканского самоуправления) ответственный заказ: из огромного мраморного блока, испорченного одним неудачливым скульптором, он берется изваять статую Давида. В 1504 году работа закончена, перенос колоссальной статуи из мастерской и установка ее перед Палаццо Веккьо - местопребыванием властей Флорентийской республики - превращается в торжественное событие. Произведение это упрочивает за Микеланджело репутацию пер-
вого скульптора Италии.
Необычные размеры "Давида", его гигантизм (высота статуи около 5,5 м) -
не внешнее качество (как у других крупных скульптур, возведенных позже по соседству с ним перед тем же Палаццо Веккьо), а показатель реальной силы героя,- недаром это произведение было призвано воплотить образ могучего защитника республиканской Флоренции. Микеланджело продолжил здесь начатую в римской "Пьета" линию психологической трактовки, но психологизм "Давида" - особого, укрупненного порядка, соответственно масштабу и характеру этого образа.
В прекрасном лике юного героя, в его взгляде, которым он встречает противника, мы улавливаем ту грозную выразительность, которую современники считали неотъемлемым достоянием микеланджеловских творений. Не прибегая к сильной композиционной динамике, к сложному движению, мастер создал тип героя, исполненного смелости, мощи и готовности к действию.
Еще до установки "Давида" гонфалоньер республики Пьеро Содерини поручил Микеланджело исполнение фресковой композиции "Битва при Кашине" в колоссальном зале Совета в Палаццо Веккьо. Эта фреска должна была быть парной к фреске Леонардо да Винчи - "Битва при Ангиари", для которой предназначалась противоположная стена зала. Микеланджело успел выполнить только подготовительный картон к фреске; последовавший затем отъезд мастера в Рим воспрепятствовал работе над самой росписью. Картон не дошел до нас, но старинная копия, рисунки и гравюры позволяют заключить, что в эволюции микеланджеловской живописи это произведение оказалось столь же важной вехой, как "Давид" в его скульптуре. Здесь была изображена не сама битва, а предшествующие ей минуты, когда флорентийские солдаты, застигнутые во время купания в реке Арно сигналом боевой тревоги, выбираются на берег, облекаются в доспехи и берутся за оружие, чтобы встретить врага.
Мотив купания позволил Микеланджело представить своих персонажей обнаженными и воплотить героическое начало не в сюжетных перипетиях, а в первую очередь, в выразительнейшем языке тела. Художник убедительно показал, как импульс к действию - сигнал тревоги - непосредственно переходит в само действие, в котором человек выступает в несокрушимой цельности своей натуры и готовности к борьбе.
Пребывание Микеланджело во Флоренции принесло еще несколько интересных работ. В их числе два мраморных рельефа круглой формы (так называемые тондо) с изображением Марии с младенцем и маленьким Иоанном Крестителем -- продолжение лирической линии в его искусстве. Лирическая окра-
ска сказывается не только в трактовке молодой матери и детей, она воплощена в самой атмосфере, которая их окружает. Это ситуации не столько с элементами действия, сколько настроения. Впервые с такой ощутимостью выраженное в ренессансных скульптурных композициях впечатление окружающей героев поэтической атмосферы усиливается незавершенностью рельефов, свободной, далекой от законченности обработкой поверхности мрамора, что вносит в изображения оттенок неполной высказанности, не до конца уловимого чувства.
Близкий сюжетный мотив стал объектом единственной сохранившейся живо-
писной станковой композиции Микеланджело, изображающей святое семейство -- мадонну с младенцем и св. Иосифом - также в форме тондо. Мастер показал здесь зрелое и уверенное владение средствами живописи. Привычная для Микеланджело энергия пластических масс, выраженная в слитной группировке первопланных фигур Марии, младенца и Иосифа, обогащена новым мотивом -- взаимосвязыо объемных элементов со сложным пространственным построением фона. Помещенные в его глубине фигуры пяти юных обнаженных атлетов вносят в эту композицию характерно минеланджеловскую героическую ноту.
В 1505 году по приглашению папы Юлия 11 Микеланджело переезжает в Рим. Ему поручено создание папской гробницы. Разработанный мастером проект был грандиозен: предусматривалось сооружение монументального мавзолея, в изобилии украшенного статуями и рельефами, общее число которых должно было составить свыше четырех десятков, причем все их Микеланджело предполагал выполнить собственноручно. Этому замыслу, однако, не суждено было осуществиться. Юлий 11 охладел к своему начинанию и оскорбительно отнесся к Микеланджело, после чего мастер самовольно покинул Рим и бежал во Флоренцию. По-видимому, именно в течение кратковременного пребывания во Флоренции в 1506 году Микеланджело вел работу над статуей апостола Матфея, находящейся ныне во Флорентийской академии. Это была первая начатая им скульптура из неосуществленного цикла статуй двенадцати апостолов для Флорентийского собора, заказ на которые Микеланджело получил еще в 1503 году. Несмотря на свою незавершенность, монументальная (значительно больше натуральной величины) статуя Матфея представляет собой очень важный пункт в творчестве мастера. Подобно тому как юнощеская "Битва нентавров" опередила свое время, так теперь эта работа с большой определенностью предвещает черты образного мышления Микеланджело, которые в окончательной форме сложатся в его созданиях будущих десятилетий. Поистине яростный драматизм
его пластика, основанная на сложных, взаимноконтрастных движе-
ниях (так называемых контрапостах), производит тем более сильное впечатление, что здесь воплощено столкновение героя не с внешними силямн (как было в "Давиде", а конфликт перенесен внутрь образа, в душевный мир героя.
Перед нами первый пример того внутреннего противоречия, которое станет достоянием микеланджеловских образов кризисной поры 1526-х - 1530-х годов. "Матфей" дает также наглядный пример характерной для Микеланджело тесной взаимосвязи статуи и каменного блока, из которого она извлекается: фигура целиком заполняет собой его, прямоугольный объем и очертания, сохраняя в своем силуэте его первичную комплектную форму. Вспоминаются слова Микеланджело: хорошая статуя должна стоять ненеповрежденной, даже если она скатится с горы.
В 1588 году, вернувшись в Рим после примирения с Юлием 11, Микеланджело приступает к работе над главным из своих главных произведений - росписью плафона Сикстинской капеллы. Этому творению суждено было занять центральное положение в искусстве Высокого Ренессанса по грандиозности масштабов, по всеобъемлющей содержательности идейного замысла, по мощи и совершенству художественного выражения. Нельзя не удивляться тому, что подобного результата достиг мастер, практически не имевший опыта фресковой живописи и только однажды испытавший свои силы в монументальной композиции - в картоне к "Битве при Кашине". Колоссальная фреска общей площадью свыше шестисот квадратных метров (целиком выполненная Микеланджело собственноручно за двадцать шесть месяцев работы на протяжении между 1508 и 1512 годами) не имела хотя бы отдаленных прообразов в предшествующей живописи итальянского Возрождения ни по своей идейной программе, ни в плане самой системы монументальной росписи. Сикстинская капелла представляет собой обширное помещение в 34 м длины, 12 м ширины и 18 м высоты. Исходя из реальной конфигурации свода капеллы, Микеланджело продолжил и развил его архитектуру средствами живописи, выделив по его продольной оси среднюю, наиболее плоскую часть (так называемое зеркало) и разместив в ней эпизоды библейского повествования о днях творения и о жизни первых людей на земле. Угловые треугольные паруса заняты очень крупными композициями на сюжеты из других частей Библии. В межоконных промежутках художник разместил фигуры двенадцати пророков и сивилл (прорицательниц), а в образовавшихся возле окон треугольных распалубках и полукруглых люнетах - изображения предков Христа. Эти основные образы выступают в окружении множества фигур вспомогательного порядка - идеально-прекрасных юношей-рабов (по углам библейских сцен в средней части свода), маленьких путти-атлантов (по сторонам от пророков и сивилл), трактованных в скульптурных формах, и разного рода других изображений.
В результате возникла законченная многочастная система, каждое слагаемое которой, воспринимаясь как самостоятельный элемент, в то же время входит в качестве неотъемлемой части в общее целое. В эту структуру Микеланджело сумел вместить запечатленную в повествовательных композициях своего рода универсальную историю бытия - от начальных космогонических сдвигов и первых актов творения до трагических катастроф, постигших род человеческий, и отдельных событий, имевших важное значение в его судьбе. В росписи
представлен и целый ряд индивидуальных образов, которые воплощают в себе разные грани человеческих типов и характеров в моменты их активного проявления. Таковы все аспекты всеведущего прорицания в пророках - сосредоточенное внимание Иоиля, высокая одухотворенность Исайи, исступление Иезекииля, энергия мысли молодого Даниила, трагическая скорбь Иеремии . Столь же многообразны и впечатляющи типы и состояния сивилл - вдохно-
вение юной и прекрасной Дельфийской сивиллы, цветущая сила и уравновешенность Эритрейской пророчицы, гигантская мощь Кумской и динамика Ливийской сивилл. Иные краски мастер находит для образов предков
Христа - в передаче оттенков настроения тяжелой дремоты и таинственного ожидания в треугольных распалубках и в обрисовке характеров и психологических ситуаций в персонажах полукруглых люнет.
Но главное впечатление от росписи - это ощущение героической силы, кото-
рое она излучает, силы не подавляющей, а возвышающей человека, заставляющей увидеть его истинный масштаб. Качество это выражено не только в исполненных величия и мощи героях росписи, в торжестве прекрасного человеческого тела и несокрушимого духа, но и в живописном языке плафона, в колоссальной энергии пластических масс, в их могучем рельефе, в твердости контуров, очерчивающих фигуры, в осязаемости воспроизведенных живописью архитектурных элементов.
И огромную роль - вопреки старым утверждениям о неколористическом мышлении Микеланджело-живописца - в росписи играет цвет. В первую очередь это относится к необыкновенно удачно найденной общей гамме цельных, взятых крупными планами тонов, в которой так органично именно для фрескового колорита выглядит сопоставление светлого фона архитектурных мотивов с тонами обнаженного тела и сильно звучащими пятнами одежд - энергичных ударов синего, охристо-желтого, травянисто-зеленого и разных оттенков красного - от ржаво-кирпичного до сиренево-розового. Цветовой кульминацией росписи оказались расположенные по ее поперечной оси фигуры пророка Иезекииля и Кумской сивиллы. Из других частей плафона поистине потрясающее колористическое впечатление производит "Медный змий" в угловом парусе у алтарной стены, в котором оттенки серо-зеленого и оливкового приобрели неожиданно зловещее звучание, усиливающее трагический замысел этой композиции.
Сикстинский плафон стал всеобъемлющим воплощением Высокого
Возрождения - его гармонического начала и его конфликтов, идеальных человеческих типов и сливающихся с этой идеальной основой ярких характеров. Хотя отдельные части росписи уже предвещают кризисные моменты недалекого будущего (персонажи в люнетах), а иногда художник заглядывает далеко вперед "Медный змий", в целом - это апофеоз ренессансного духа в пору его высшего подъема. В последующих произведениях Микеланджело нам придется наблюдать процесс неуклонного нарастания противоречий времени, осознания неосуществимости ренессансных идеалов, а в дальнейшем - их трагическое крушение.
С 1512 года, уже после смерти Юлил 11, Микеланджело возобновляет работу над его гробницей по новому проекту. Однако обстоятельства не
благоприятствовали его осуществлению, и после завершения трех статуй для гробницы - двух "Пленников" и "Моисея" труд мастера был прерван. Статуи эти, относящиеся к числу наиболее известных творений Микеланджело, знаменуют собой более позднюю, драматическую фазу Высокого Ренессанса. В "Пленниках"
это обстоятельство проявляется уже в самой их тематической концепции - в
героическом, преисполненном мощи и все же тщетном усилии "Скованного пленника"
освободиться от пут, и в последнем скорбно-патетическом душевном взлете "Умирающего пленника".
В "Моисее" мастер возвращается к образу человека титанического
масштаба - духовного вождя народа, исполненного непоколебимой воли. Од-
нако утверждение своей правоты требует уже от него сверхчеловеческого напряжения - в ущерб тем естественным и органичным качествам человеческой натуры, которые можно было наблюдать в обширном ряду прежних героических образов Микеланджело, начиная от его "Давида" и вплоть до многих из персонажей плафона Сикстинской капеллы.
Изменился и пластический стиль мастера: статуя уже не исчерпывается
восприятием с одной, главной точки зрения. Микеланджеловская скульптура требует теперь полукругового обхода, в процессе которого сменяют друг друга не только различные пластические мотивы, но и различные вариации в эмоционально-драматическом замысле образа. Так, в "Скованном пленнике" мы наблюдаем постепенный переход от бессильно повисшего тела и, казалось бы, угасшей воли пленника к исполненному героической мощи освободительному порыву, перед которым как будто не устоит ничто, и после этого - вновь к сознанию тщетности этого усилия. Так само пластическое построение воплощает в себе развернутую тематическую концепцию и сложную эмоциональную динамику образа.
Во второй половине 1510-х годов Микеланджело работал также над статуей
Христа для римской церкви Санта Мария сопра Минерва. Хотя мастер
положил на нее много труда, она не принадлежит к его удачным произведениям.
Поскольку перед Микеланджело стояла задача создать изображение воскресшего
Христа, перешедшего рубеж земных страданий, мастер задумал образ в принципиально недраматическом ключе и отказался от многих привычных средств художественного языка. В результате, обладая по-своему выразительным силуэтом и другими достоинствами, статуя оказалась лишенной той захватывающей эмоциональной и пластической энергии, которая неотделима от всех других работ Микеланджело этого десятилетия.
В 1516 году Лев Х, сменивший на папском престоле Юлия 11, поставил перед 1Иикеланджело ответственную художественную задачу, в решении которой он должен был проявить себя не только как скульптор, но и как зодчий. Микеланджело было поручено возведение монументального фасада флорентийской церкви
Сан Лоренцо, построенной еще в ХУ веке Филиппо Брунеллески и находившейся под особым покровительством семейства Медичи. Фасад этот мыслился как величественная архитектурная композиция, насыщенная скульптурными изображениями
- статуями и рельефами.
Микеланджело был увлечен этой задачей, что видно из его обещания сделать фасад Сан Лоренцо "зеркалом всей Италии". Но все труды по тщательной
разработке проекта и годы, проведенные мастером в каменоломнях Каррары и Пьетрасанты, оказались напрасными. Из-за отсутствия средств проект не был осуществлен. До нас дошли лишь наброски Микеланджелоиархитектурнаямодель фасада вилл. 85), по своей стилистике обнаруживающая признаки родства с теми классическими тенденциями в зодчестве Высокого Возрождения, главным выразителем которых был Браманте.
Параллельно с этой работой Микеланджело был занят исполнением менее значительных архитектурных заказов, в их числе дополнениями в известном флорентийском палаццо Медичи, построенном в ХУ веке Микелоццо и принадлежащем к наиболее известным образцам зодчества флорентийского кватроченто. Из микеланджеловских нововведений здесь наиболее интересны увенчанные треугольным фронтоном и поставленные на консоли окна в заложенных камнем больших фасадних арках первого этажа вилл.
Проблему создания художественного ансамбля, в котором архитектура и
скульптура объединялись в единое синтетическое целое, Микеланджело было
суждено разрешить не в фасаде Сан Лоренцо, а в другом произведении. Кардинал
Джулио Медичи (впоследствии папа Климент ?11) поручил Микеланджело соору-
жение новой сакристии для той же церкви (в пару к Старой сакристии Брунеллески и Донателло). Новая сакристия должна была служить усыпальницей для представителей рода Медичи и именуется Капеллой Медичи. Сооружение напеллы затянулось с 1519 до 1534 года. 3а это пятнадцатилетие Флоренция пережила много событий, из которых главным было изгнание Медичи в 1527 году, восстановление
республиканского строя и последовавшая затем осада города соединенными
армиями папы и императора. Во время осады микеланджело был назначен
руководителем всех фортификационных работ, вследствие чего роль его в обороне Флоренции была очень велика.
В 1531 году город пал, власть Медичи была восстановлена, и во Флоренции, как и в большинстве итальянских государств, оказавшихся в зависимости от Испании, воцарилась глубокая реакция. Такова та острокризисная политическая ситуация, на которую приходится перелом от Высокого к Позднему Возрождению. Именно эти переходные черты от одного этапа к другому запечатлены в художественном комплексе Капеллы Медичи.
Капелла Медичи - небольшое, но очень высокое, квадратное
в плане помещение (со стороной квадрата около 12 м), увенчанное куполом. Вдоль боковых стен капеллы расположены гробницы герцогов Лоренцо Урбинского и Джулиано Немурского, а у стены, противоположной алтарю,- статуя мадонны с младенцем. Перенеся гробницы к стенам, Микеланджело как будто сделал шаг к традиционному типу надгробия, широко распространенному в Италии ХУ века. В действительности же его решение оказалось принципиально иного рода. Надгробия кватроченто - это сравнительно некрупные, замкнутые в себе композиции, не всегда органически связанные с окружающей их архитектурой. Микеланджело не только увеличил масштаб гробниц. Впервые использовав в них фигуры в натуральную величину, он достиг настолько полного слияния элементов архитектуры и скульптуры, что каждое из надгробий оказывается неразрывной частью не только стены, к которой оно примыкает, но и всего ансамбля капеллы. Как скульптура здесь немыслима без архитектуры, так и архитектура не существует без скульптуры, образующей узловые пункты общей архитектурной композиции, своеобразные сгустки ее напряжения.
Главное в художественном ансамбле Капеллы Медичи - это сразу
передающееся зрителю чувство трагического напряжения и мучительного конфликта. Оно ощутимо во многих последовательно проведенных контрастах: в сжатости пространства капеллы в ширину, но зато в устремленности его ввысь, в противопоставлении белого мрамора стен и темного камня в членящих их пилястрах, архивольтах
и оконных наличниках, в самом ритме архитектурных форм, когда энергичные сгущения сгруппированных воедино архитектурных элементов соседствуют с их разрежениями, со свободными участками стены. 3вучащие то более, то менее явно, эмоциональные импульсы общего образного замысла